Ambientado en la convulsa Álava del siglo XIX, ‘Sacamantecas’ aborda una historia basada en hechos reales y se centra en la figura de Ángela Berrosteguieta, interpretada por Patricia López Arnaiz. Ángela regresa a Vitoria tras la trágica muerte de su hermana y, convencida de que un culpable acecha entre las sombras, se embarca en una investigación que la llevará a descubrir la oscura realidad detrás de los crímenes cometidos por el infame Sacamantecas. Este asesino ha sido considerado por muchos historiadores como el primer serial killer documentado en la historia de España. La película no solo promete una trama cargada de suspense, sino también una reflexión sobre el miedo y el silencio de una sociedad traumatizada por la guerra.

La relación de David Pérez Sañudo con el Festival de San Sebastián es notable, teniendo en cuenta su trayectoria exitosa en ediciones anteriores. En 2020, su ópera prima ‘Ane’ fue reconocida y premiada, y su regreso con ‘Los últimos románticos’ en 2024 reafirma su posición en el panorama cinematográfico. Ahora, con ‘Sacamantecas’, Pérez Sañudo se siente emocionado y privilegiado de presentar lo que considera su proyecto más ambicioso hasta la fecha. Acompañado en el guion por Sergio Granda y basado en un libreto previo de Asier Guerricaechevarría y Joanes Urkixo, el director busca ofrecer al público una nueva perspectiva sobre una leyenda que ha marcado la historia de España.

El reparto de ‘Sacamantecas’ es otro de los grandes atractivos, con la presencia de reconocidos actores como Antonio de la Torre y Patricia López Arnaiz. Esta última vuelve a colaborar con Pérez Sañudo tras el éxito de ‘Ane’, donde su actuación fue aclamada, consolidándose como una de las más destacadas de su generación. De la Torre, ganador de múltiples premios Goya, da vida a Juan Díaz de Garayo, el protagonista cuya notoriedad alimenta la leyenda del Sacamantecas. Junto a ellos, el filme cuenta con un elenco de lujo que incluye a Josean Bengoetxea, Eneko Sagardoy y Haizea Carneros, lo que promete una interpretación rica y variada que complementa la complejidad de la historia.

Retomando el desafío de reproducir una época histórica con precisión, ‘Sacamantecas’ fue filmada en localizaciones emblemáticas de Álava y Vitoria-Gasteiz, convirtiendo el entorno en un personaje narrativo fundamental. La producción, que se distingue por su gran despliegue técnico y la colaboración de más de 3,000 extras, busca ofrecer una experiencia cinematográfica auténtica que retrate la tensión y el drama de la Tercera Guerra Carlista. Detrás de las cámaras, Pérez Sañudo se ha rodeado de un equipo técnico de primera categoría, incluyendo a profesionales reconocidos en cinematografía, vestuario y edición, que aseguran que la película no solo sea un éxito en su narrativa, sino también visualmente impactante.

La entrada Sacamantecas: El intrigante thriller sobre el primer asesino en serie de España se publicó primero en La Rockola.

El teaser-trailer oficial de ‘INK’ ha generado una gran expectación entre los cinéfilos y los críticos que asistieron a su estreno en el Festival de Venecia. La película presenta una narrativa dinámica y emocionante, que coloca a un grupo de visionarios en el centro de la evolución del periodismo en el Reino Unido. Boyle, con su inconfundible estilo visual, parece haber capturado la esencia de una época que transformó la forma en que los consumidores de noticias se relacionan con la información, convirtiendo la ruptura de esquemas en el eje fundamental de la trama.

La elección del elenco en ‘INK’ refleja la ambición del proyecto: Jack O’Connell, Guy Pearce y Claire Foy son los actores principales que brindarán vida a personajes complejos en un entorno mediático lleno de tensiones y luchas de poder. O’Connell, conocido por su papel en ‘Sinners’, se enfrenta a un reto significativo al interpretar a una figura clave en la narración. Por su parte, la participación de Claire Foy, célebre por su interpretación en ‘The Crown’, sugiere que la película explorará no solo el lado masculino del poder mediático, sino también la influencia de las mujeres en un espacio predominantemente masculino.

A medida que se acerca la fecha de lanzamiento, las expectativas continúan creciendo, especialmente con la visión de James Graham que ha sabido reflejar en su obra las complejidades y dilemas éticos asociados al periodismo hoy en día. ‘INK’ no solo busca entretener, sino también invitar a la reflexión sobre el papel que juega la prensa en la configuración de la opinión pública y su capacidad para moldear la realidad. La combinación de la dirección de Boyle y el guion de Graham promete un enfoque revelador sobre los desafíos del periodismo contemporáneo.

En conclusión, ‘INK’ no es solo una película sobre la historia de un hombre y su imperio mediático, sino un exploración audiovisual sobre el poder de la prensa y su capacidad de influir en la vida cotidiana. Con el trasfondo de descontento social y cambios culturales, la cinta siembra semillas de debate sobre la verdad en la era de la hiperinformación y de la desinformación. La llegada de la película a los cines de España promete ser un evento cinematográfico que cautivará a quienes buscan entender el impacto de los medios en la construcción de la realidad.

La entrada INK película: Descubre la historia detrás del poder de la prensa se publicó primero en La Rockola.

‘Eixam’ no solo explora la dinámica de una utopía rural, sino que también ahonda en temas relacionados con el poder y la autonomía individual. A través de la metáfora del enjambre, la película ilustra cómo cada miembro de la comunidad tiene un rol asignado y debe acatar las decisiones del grupo, lo que lleva a la reflexión sobre el equilibrio entre el bien común y la libertad personal. Este hilo conductor resalta las tensiones inherentes a la vida colectiva, planteando incógnitas sobre hasta dónde está dispuesta la comunidad a llegar cuando se priorizan los intereses colectivos por encima de los deseos individuales.

El ambiente de aislamiento es otro aspecto crucial en ‘Eixam’. Los habitantes se encuentran completamente desconectados del mundo exterior y se ven obligados a seguir reglas rígidas que crean una atmósfera de claustrofobia, intensificando la inquietud del protagonista, Lluc. A través de su perspectiva, la audiencia experimenta su creciente desasosiego a medida que comienza a cuestionar la lógica detrás de estas normas. Aunque los giros de la trama pueden ser predecibles, el filme mantiene un nivel de intriga al dejar entrever las complejidades del pasado de los personajes y de la misma comunidad, enriqueciendo el relato con capas de significado social.

El elenco de ‘Eixam’ destaca por su capacidad de transmitir la tensión dentro de la comunidad sin depender exclusivamente de los protagonistas. Pablo Molinero, en el papel de Lluc, logra capturar la evolución emocional del personaje, mientras que Cristina Fernández Pintado brilla como Alba, una figura de autoridad cargada de ambigüedad. Esta dinámica entre los personajes refuerza el tema central de la película: cómo las interacciones dentro del grupo pueden influenciar la toma de decisiones y el comportamiento individual. A través de un reparto coral bien equilibrado, ‘Eixam’ logra desarrollar un retrato vívido de la comunidad y sus complejas relaciones.

A pesar de su efectividad, ‘Eixam’ enfrenta críticas en cuanto al desarrollo de algunos personajes que, aunque ofrecen potencial narrativo, son poco explorados. Las interpretaciones son sólidas, pero ciertos vínculos podrían haber sido más profundos. La película deja una sensación incómoda y abierta, sugiriendo futuras reflexiones sobre el costo de pertenecer a un grupo y las implicancias de sacrificar la libertad personal por el bien colectivo. Aunque no todas las decisiones narrativas resultan efectivas, ‘Eixam’ plantea preguntas provocadoras sobre cómo queremos vivir, garantizando que su mensaje perdure mucho después de que los créditos finales han pasado.

La entrada Eixam: Descubre el Lado Oscuro de una Utopía en la Película se publicó primero en La Rockola.

Miriam Garlo, actriz protagonista de la película ‘Sorda’ y reconocida por ser la primera intérprete con discapacidad auditiva en ganar un Premio Goya, ha sido la encargada de revelar las tres candidatas. Esta elección no solo resalta el talento de las películas, sino también la importancia de la representación en el cine. Cada uno de los directores, Los Javis, Alauda Ruiz de Azúa y Rodrigo Sorogoyen, han creado obras que, a través de sus narrativas y estilos, aportan un diferente aspecto de la cultura y sociedad española, poniendo de relieve la capacidad del cine como un medio para contar historias significativas.

La trama de ‘La bola negra’ se inspira en una obra inacabada de Federico García Lorca y promete una exploración de temas relevantes a lo largo de varias épocas. Asimismo, ‘Los domingos’ de Alauda Ruiz de Azúa refleja la cotidianidad y los lazos familiares, mientras que ‘El ser querido’ de Rodrigo Sorogoyen ofrece una visión intensa de las relaciones humanas. A medida que se acerca la fecha de anuncio, la especulación crece entre los críticos y el público sobre cuál de estas películas podrá continuar su andadura hacia los Oscar, y quién se alzará como la representante del cine español en el escenario internacional.

El calendario hacia los Oscar 2027 es riguroso y desafiante. La película ganadora entre las finalistas tendrá que hacer frente a una serie de pruebas críticas, comenzando con la shortlist que se publicará el 15 de diciembre. Solo las películas que logren superar este primer corte podrán continuar en la lucha por una nominación definitiva, cuyo anuncio se realizará el 21 de enero de 2027. Finalmente, el 14 de marzo de 2027, se celebrará la 99ª edición de los premios Oscar, donde se revelará si el cine español vuelve a brillar en el firmamento de Hollywood.

‘La bola negra’, ‘Los domingos’ y ‘El ser querido’ tienen ante sí un camino prometedor, pero también lleno de obstáculos a superar. El legado que dejó ‘Sirat’, la película que representó a España el año anterior y logró una nominación en la categoría de Mejor Sonido, plantea una vara de medir alta para estas tres producciones. Sin embargo, esta nueva oportunidad no solo representa un reto, sino también una posibilidad de crecimiento y visibilidad para el cine español en el más alto nivel. La carrera está en marcha, y tan solo unas semanas nos separan de saber cuál de estas obras será la que llevará la bandera de España en los Oscars de 2027.

La entrada Oscar 2027: ¿Qué película representará a España en esta edición? se publicó primero en La Rockola.

A pesar de su premisa original y exagerada, ‘Dulce sabor a muerte’ presenta una trama que, aunque llamativa, carece de profundidad. Los personajes son –en su mayoría– superficiales, y a menudo la historia avanza de una escena de terror a otra sin detenerse a desarrollar las emociones o motivaciones de los protagonistas. Esta falta de inversión en la caracterización hace que, en los momentos en que se intenta mostrar una conexión emocional, la audiencia no logre involucrarse plenamente. LA película, que promete un festival de muertes escalofriantes y creatividad gore, en ocasiones pierde fuerza a medida que se suceden las escenas violentas, convirtiendo el caos en un desfile sin propósito.

Las actuaciones de los jóvenes intérpretes son un punto a favor, logrando transmitir la mezcla de horror y desconcierto que la trama exige. Sin embargo, el destacado de la película es sin duda Ari Millen, quien encarna al enigmático heladero. Su presencia inquietante, combinada con su encantadora interpretación exagerada, se convierte en el hilo conductor que mantiene vivo el interés del espectador. Millen ofrece una actuación que resuena con el público y aporta al tono grotesco del filme, elevando las escenas en las que aparece. Esta dualidad entre lo absurdo y lo horrendo es donde ‘Dulce sabor a muerte’ intenta brillar, aunque no siempre logra un equilibrio satisfactorio.

En cuanto al aspecto visual, Eli Roth no escatima en gore. La película está repleta de escenas que hacen uso de efectos prácticos, presentando mutilaciones y asesinatos que pueden resultar demasiado gráficos para los espectadores más exigentes. Esta elección estilística parece alinearse con la intención de la película de provocar risas y asombro, aunque puede que no todos los espectadores aprecien la mezcla de humor con el horror gráfico. Las muertes, presentadas de forma exagerada y creativa, subrayan el tono bizarro que caracteriza a la película, atrayendo así a aquellos que disfrutan del género splatter.

En resumen, ‘Dulce sabor a muerte’ es una cinta que, aunque se sostiene en una línea delgada entre el entretenimiento y la locura, ofrece momentos memorables que los fanáticos del terror no olvidarán fácilmente. Si bien peca de una falta de profundidad en su narrativa y una conexión emocional débil con los personajes, logra capturar la atención del público a través de su estilo visual y la audaz actuación de Millen. La combinación de humor negro y horror grotesco, aunque a veces desigual, augura a la película un lugar especial en el corazón de los amantes del cine de terror. En definitiva, es una experiencia brutalmente divertida que promete hacer reír y estremecer a partes iguales.

La entrada Dulce sabor a muerte: Un verano de helados y caos sanguinario se publicó primero en La Rockola.

La trama de ‘El mal padre’ profundiza en el tema de las relaciones familiares y las complejidades del perdón. A través de la historia de Santiago Balmes, un escritor que intenta reunir a sus hijos antes de Navidad, Bueso revela las grietas en la dinámica familiar provocadas por el abandono y el paso del tiempo. A medida que los hermanos se ven obligados a confrontar su pasado, la película teje momentos de humor y de profunda emoción, prometiendo un recorrido íntimo que invita a la reflexión sobre la reconciliación y el vínculo afectivo. El guion, coescrito por Bueso y Óscar Díaz, refleja el enfoque sensible del director hacia narrativas cargadas de impacto emocional.

La elección de Eduard Fernández como protagonista subraya la seriedad y el talento del filme. Con una destacada carrera y múltiples reconocimientos, como el Premio Nacional de Cinematografía y cuatro Premios Goya, Fernández aporta una riqueza interpretativa al personaje de Santiago. A su lado, un elenco talentoso que incluye a Adam Jezierski, Francesco Carril y Meritxell Calvo, asegura que ‘El mal padre’ será un evento cinematográfico significativo. La combinación de estos actores consolida la fuerza dramática de la historia, prometiendo interpretaciones que resonarán con el público.

Con su filmación en diversas localizaciones de la Comunidad Valenciana, Bueso no solo rinde homenaje a sus raíces, sino que también enriquece la estética visual de la película. La región se convierte en un escenario que complementa perfectamente la narrativa, haciendo que el contexto no solo sea un telón de fondo, sino un personaje más en la historia que se despliega ante los ojos del espectador. La entrega de la obra a las salas de cine el 20 de noviembre de 2026, bajo la distribución de Caramel Films, y su comercialización internacional por Film Factory, representan un paso decisivo en la trayectoria de Bueso como narrador contemporáneo.

La presentación de ‘El mal padre’ en San Sebastián no solo es un hito para Roberto Bueso y su equipo, sino también para el cine español en su conjunto. La obra aborda temas universales que atraviesan la cultura y la sociedad, haciendo de su proyección una cita ineludible para los amantes del cine. Con un mensaje de esperanza y la posibilidad de reencontrar el amor a pesar del dolor, Bueso espera que la película resuene con el público, invitándolos a reflexionar sobre sus propias experiencias familiares. Así, el filme promete no solo entretenimiento, sino también un profundo diálogo sobre las relaciones humanas y la búsqueda de la verdad y la reconciliación.

La entrada El mal padre: Un drama familiar que destaca en el Festival de San Sebastián se publicó primero en La Rockola.

En el centro de la historia está Marcelo, un joven con trastorno del espectro autista (TEA), quien se ve obligado a dejar la comodidad de su educación especial para comenzar un empleo en el bufete de abogados de su padre. Este cambio significa para él un enfrentamiento a un mundo desconocido y a relaciones sociales que a menudo pueden resultar abrumadoras. Al aceptar este reto, Marcelo debe navegar por las expectativas y dinámicas de poder que predominan en su nuevo entorno, todo lo cual pone a prueba su autoconfianza y su comprensión del mundo.

Un elemento clave de la narrativa es la interacción de Marcelo con Jazmine, su compañera de trabajo, quien lo ayuda a descubrir sus habilidades y a valorar su visión del mundo. La relación entre los dos personajes se convierte en una fuente de apoyo y exploración, mostrando cómo la aceptación y el entendimiento pueden empoderar a individuos neurodivergentes. Sin embargo, la trama toma un giro inesperado cuando Marcelo se topa con un secreto que podría amenazar el futuro del bufete de su padre, lo que lo obliga a cuestionar no solo la verdad de su entorno familiar, sino también su adaptación a las expectativas sociales.

Lucía Puenzo ha sido reconocida por su enfoque en narrativas que desafían las normas sociales y familiares, como se evidenció en sus obras anteriores, tales como XXY y Wakolda. Con ‘Marcelo en el Mundo Real’, Puenzo enfoca su lente en un aspecto aún poco explorado en el cine: la transición de los jóvenes con autismo hacia la adultez y su lucha por una independencia significativa. Al abordar estas experiencias, la cineasta invita a la audiencia a reflexionar sobre la normalidad y a reexaminar las percepciones sobre la identidad y la pertenencia en una sociedad que a menudo marginaliza las diferencias.

La producción de ‘Marcelo en el Mundo Real’, que cuenta con un elenco destacado que incluye a Eva Longoria y Eugenio Derbez, se posiciona como una contribución significativa al cine contemporáneo, al abordar temas universales como la identidad, la familia y las presiones sociales. Este proyecto procura ilustrar la complejidad de ser joven y diferente en un mundo que, en lugar de fomentar la inclusión, muchas veces exige conformidad. Con la dirección de Puenzo, se espera que la película no solo entretenga, sino que también despierte diálogos sobre la importancia de la diversidad y la comprensión hacia quienes viven en el espectro autista.

La entrada Neurodivergencia en el cine: ‘Marcelo en el Mundo Real’ sorprende se publicó primero en La Rockola.

Además de «Youth», HBO Max añadirá «Paolo» el 25 de septiembre, un thriller que se desarrolla en un apacible pueblo donde un transportador de pianos, interpretado por un talentoso cast, se ve envuelto en un mundo de ambición política. La historia de Paolo explora la delgada línea entre la admiración y la obsesión, todo mientras el protagonista intenta planear su boda y atender sus aspiraciones personales. La narrativa intrigante y el enfoque en la dinámica emocional son elementos que seguramente captarán la atención del público.

En la sección cinematográfica, la lista de novedades es bastante interesante. Entre los estrenos se encuentra «Backrooms» el 25 de septiembre, un filme que combina suspense y terror. La trama sigue a una terapeuta que, al investigar la desaparición de su paciente en una extraña dimensión, se embarca en un viaje lleno de sorpresas y horrores. Esta película es una adaptación de un cortometraje que explora el miedo a lo desconocido, ofreciendo a los amantes del terror una experiencia cinemática digna de su atención.

HBO Max también se adentra en el mundo de los documentales con el estreno de «El Buen Espíritu: Detrás de la puerta del Opus Dei» el 25 de septiembre. Este documental se centra en las experiencias de14 hombres que compartieron sus vivencias dentro de esta controvertida organización religiosa. Con testimonios impactantes, el documental explorará la complejidad de la vida dentro del Opus Dei, incluyendo relatos de superación y dilemas morales, lo que sin duda generará discusión y reflexión entre los espectadores sobre el tema.

Por último, en un mes de pereza y ajuste tras las vacaciones, las novedades de HBO Max ofrecerán distracciones valiosas para todos los gustos. Desde la comedia ligera hasta el drama intenso y el terror psicológico, hay una rica variedad para enfrentar la «vuelta al cole» de manera entretenida. No olvides también revisar lo que otras plataformas de streaming están traendo este mes, ya que la oferta cultural se diversifica, permitiendo disfrutar al máximo de las noches de septiembre.

La entrada Novedades HBO Max septiembre 2026: Estrenos que no querrás perderte se publicó primero en La Rockola.

La premisa del documental se centra en el ingenioso diseño de la exoforaminomancia, una pseudoterapia cuya técnica diagnosticadora revela su naturaleza cuestionable: se basa en observar el ano para diagnosticar enfermedades internas. Este curioso enfoque propone que esta zona del cuerpo actúa como un canal que conecta con diversas energías y refleja problemas de salud. Aunque la idea es absurda, el rodaje trata de emular el proceso real que siguen muchas pseudoterapias para alcanzar aceptación, incluyendo la creación de una presencia digital robusta, que da apariencia de autenticidad. La intención detrás de presentar esta ficción es analizar si el público puede diferenciar entre el discurso pseudocientífico y la evidencia real.

En el núcleo del experimento, Collantes y Vidal asumen retos significativos al ocultar su identidad y posicionarse como especialistas en esta nueva terapia. Al hacerlo, plantean interrogantes incisivos: ¿Qué sucede cuando una falsedad es presentada con el ropaje de la verdad? Más que ridiculizar a quienes buscan alivio en pseudoterapias, el documental gira su crítica hacia aquellos que capitalizan estos miedos, exponiendo la dimensión ética de la promoción de prácticas sin fundamento científico. Para ampliar el análisis, el filme incorpora testimonios de expertos en el campo de la divulgación científica, quienes aportan un rico contexto sobre el fenómeno de la pseudociencia.

«Otra terapia de mierda» retoma el legado del anterior experimento de Collantes, que había dado lugar a la fecomagnetoterapia en 2008, una broma que, sorprendentemente, reveló la facilidad con que una idea descabellada podía integrarse en el mundo de las terapias y recibir credibilidad. Este nuevo documental lleva la exploración un paso más allá y ofrece una crítica más profunda mientras reflexiona sobre los métodos que hacen que las pseudociencias prosperen, a pesar de su falta de respaldo científico. Volver a abordar este tema años más tarde indica no solo un compromiso con la verdad, sino también una urgente necesidad de entender la psicología detrás de la aceptación de estas prácticas.

Con el rodaje completado y la mirada puesta en su lanzamiento, Ana Ramón Rubio espera que «Otra terapia de mierda» genere diálogo y reflexión entre los espectadores sobre las creencias que sostienen en la actualidad las pseudoterapias. La directora, conocida por su habilidad para fusionar el humor con la investigación concisa, considera que este documental no solo busca denunciar, sino también entender los complejos mecanismos sociales que permiten a estas prácticas proliferar en un mundo donde existe acceso a la ciencia y a información validada. A medida que se acercan al público, la exoforaminomancia se convierte en una artimaña para explorar un fenómeno que trasciende la mera terapia inventada, abriendo un espacio para la crítica y la ética en la divulgación de la información.

La entrada Pseudoterapias: ¿Por qué la gente confía en lo falso? se publicó primero en La Rockola.

Con un presupuesto de 16 millones de euros, ‘El mundo era nuestro’ se posiciona como una de las producciones independientes más costosas de la historia del cine español. La particularidad que destaca a esta película es que se ha logrado financiar exclusivamente a través de inversión privada, sin el apoyo de plataformas de streaming, algo poco común en el panorama cinematográfico actual. Este enfoque ha sido implementado por la compañía Sin Parpadear, que se ha convertido en un referente en la producción independiente, habiendo llevado a cabo otros proyectos exitosos en el pasado. Esta estrategia de financiamiento plantea nuevas posibilidades para el cine español, demostrando que puede haber alternativas viables para la producción de grandes cinematográficas sin depender de los gigantes digitales.

El elenco de ‘El mundo era nuestro’ cuenta con un equipo de actores destacados en teatro musical, cine y televisión, liderados por Ana San Martín y Guido Balzaretti, reconocidos por su participación en ‘El Fantasma de la Ópera’. Junto a ellos, se encuentran intérpretes de renombre como Natalia Millán y Pablo Puyol, cuya trayectoria en el mundo del entretenimiento español es extensa. La diversidad del reparto, que incluye a artistas de diferentes disciplinas, refleja el enfoque integral de la película, donde la actuación, la música y la coreografía se entrelazan para crear un espectáculo audiovisual impactante. Este conjunto de talentos promete enriquecer la narrativa y ofrecer una experiencia inigualable al público.

La narrativa de ‘El mundo era nuestro’ tiene sus raíces en el cortometraje ‘Sergi & Irina’, que cosechó múltiples reconocimientos en festivales internacionales. Esta adaptación al formato de largometraje se presenta como un melodrama musical ambientado en la Segunda Guerra Mundial, una época que marcó fuertemente el curso de la historia. La trama sigue a dos amantes, Sergi e Irina, en su lucha por reencontrarse en medio de la convulsión de la guerra, ofreciendo una fábula de amor en tiempos difíciles. La inspiración personal del director, Álex Tejedor, que se basa en la experiencia de sus abuelos durante la ocupación nazi en Dinamarca, añade una capa emocional profunda a la historia, conectando las vivencias personales con la ficción.

La historia se despliega en Mallorca, en 1939, donde Sergi e Irina se encuentran en una celebración que marcará el inicio de su romántica pero desafiante aventura. El encuentro casual entre estos dos jóvenes se transforma en un profundo vínculo, pero pronto la realidad de la guerra amenaza con separarlos. La promesa de reencontrarse un año después se convierte en un símbolo de esperanza ante la adversidad. Con el rodaje ya en la recta final, ‘El mundo era nuestro’ está a punto de entrar en una etapa de postproducción que promete dar forma a una de las ofertas más excitantes del cine musical español. La expectación por el resultado es alta y todo apunta a que esta película logrará dejar una huella significativa en la industria.

La entrada El mundo era nuestro: un emocionante viaje en postproducción se publicó primero en La Rockola.